Sign up to see more
SignupAlready a member?
LoginBy continuing, you agree to Sociomix's Terms of Service, Privacy Policy

Wydany wiosną 1977 roku, młody początkujący reżyser David Lynch wydał swój debiutancki film fabularny Eraserhead, po latach trudności z uruchomieniem niskobudżetowego filmu. Nawet prawie 40 lat po premierze Eraserhead to kultowy film, który do dziś wywołał mnóstwo teorii fanów i pełnych debat.
Oparty na dość uproszczonym założeniu, czarno-biały film science fiction przedstawia pozornie przeciętnego Joe Henry'ego Spencera (granego przez Jacka Nance'a) obciążonego noworodkiem. Tylko to dziecko jest stworzeniem bardziej zgodnym z międzywymiarowym gościem niż przeciętna maskotka Gerbera.
Jako ostry kontrast do horrorów/filmów naukowych z lat 70., David Lynch postanawia pochłonąć Eraserhead w całkowicie czarno-białej palecie kolorów, która może stanowić subtelny hołd dla klasycznych uniwersalnych filmów potworów z lat 30., 40. i 50. Lynch powtórzyłby tę samą technikę stylistyczną ze swoim nominowanym do Oscara filmem fabularnym The Elephant Man, kolejnym kultowym dramatem psychologicznym z niezwykłym bohaterem.
Podczas gdy Eraserhead może podążać za konwencjonalną trzyaktową strukturą większości filmów, sam film jest zbudowany na marzeniu o gorączce fantasy science fiction. Podobnie jak w przypadku wielu przyszłych projektów Davida Lyncha, reżyser nie jest skłonny do rezygnacji z jakichkolwiek odpowiedzi od samego początku.
U@@ jawnia się niewiele szczegółów dotyczących znaczenia odrębnej fryzury Henry'ego, lokalizacji środowiska przemysłowego, pochodzenia obcego dziecka lub pewnego piosenkarza ujawnionego w drugim akcie filmu. Wszystko zależy głównie od interpretacji członka publiczności, co może być dobrą lub złą rzeczą. Lynch nie jest reżyserem, do którego wszyscy będą się skłaniać, ale jest filmowcem bardzo szanowanym za skłonność do podejmowania ryzyka i tworzenia niekończącej się zagadki tajemnic dla swojej publiczności.
Gdy Eraserhead głębiej zagłębia się w psychikę Henry'ego, film staje się coraz bardziej pewny swojej dziwności, ponieważ Lynch nie trzyma się za rękę publiczności i od niechcenia porusza swoją historię bez żadnych problemów. W drugim akcie ogólna zagadka filmu jest jeszcze mniej bliska rozwikłaniu niż początkowe 20 minut.
Zamiast porzucić swoje dziecko, Henry przychodzi, aby wziąć odpowiedzialność za siebie i opiekuje się stworzeniem jak prawdziwy rodzic. Chociaż dziecko może być zaskakującym obrazem, do którego można się przyzwyczaić, związek Henry'ego z jego dziewczyną Mary X (Charlotte Stewart) i ich obcym dzieckiem uzasadnia film w sposób, który może wydawać się znajomy przesiedlonym widzom. Szczerze mówiąc, Eraserhead to film, który korzysta z kilku wyświetleń, biorąc pod uwagę, że jest pełen insynuencji i obrazów.
Ponowne oglądanie filmu za pomocą innego zestawu obiektywów może być jeszcze bardziej satysfakcjonujące niż pozwolenie na ustawienie filmu przez określony czas. Niezwykły członek publiczności może czuć się jak w domu dzięki kontynuacji filmu Lyncha z 1980 roku The Elephant Man, ale Eraserhead nie jest filmem, który przysługuje beztroskim widzom. Jest mniej przystępny ze swoimi odpowiedziami niż większość filmów, a jeszcze bardziej nieokreślony w ostatecznym wyniku.

Sercem całej tej niesamowitości i nieznośnych doświadczeń jest zachwycający dzwonek grzejnika. Podczas gdy oryginalny ulubiony przez fanów program telewizyjny Davida Lyncha Twin Peaks (1990-1991) może ukryć swoje dziwne cechy w postaci klasycznej tajemnicy morderstwa, Eraserhead rezygnuje z morderstwa w małym mieście ze względu na wyjątkową dynamikę rodzinną.
Chociaż Eraserhead może nie być horrorem w ogólnym tego słowa znaczeniu, debiutancki film Lyncha nie jest przedsięwzięciem, które ostatecznie opiera się na przerażeniu krwi lub skokach, ale psychologicznych okropnościach umysłu. Od wstępnego wstępu widzowie są traktowani oszpeconym mężczyzną bez koszuli siedzącym w cieniu przy oknie, stos płodu schodzący z nieba, i tytułowa postać Ersaerhead Henry unosząca się nad sylwetką księżyca.
Od tego momentu Eraserhead głęboko zanurza się w mroczną i dementalną psychikę mężczyzny, który zostaje opiekunem noworodka. Zanim publiczność zrozumie prawdziwą naturę świata, w którym zajmują te wątpliwe postacie, film przybiera kolejny niepokojący zwrot w stronę zdeformowanej kobiety śpiewającej na jej samotnej, otoczonej całkowitą ciemnością i radosną muzyką karnawałową. Ta kobieta (grana przez Laurel Near) została nazwana „Damą w Radiatorze” i reprezentuje przerażające obrazy związane z filmem i jego psychologicznym horror em.

Każdy nadchodzący obraz jest bardziej niepokojący i wciągający niż poprzedni. Gdy by Eraserhead został wydany w obecnym krajobrazie filmowym, odbiór uzyskany w stosunku do filmu mógł nie być taki sam. Wiek reżyserów autorskich zyskał na popularności na początku lat siedemdziesiątych, podczas gdy obecne Hollywood w dużej mierze szczyci się kontynuacjami i restartami, aby napędzać ich przedsiębiorstwo.
Rozpiętość uwagi członków publiczności już zaczęła słabnąć, a opowieść o Henryku i jego umierającym obcym dziecku jest filmem, który w dużej mierze opiera się na tej uwadze. Jeśli ktoś w którymkolwiek momencie zaczął się załamywać, ryzykuje utratę kilku minut, ale kluczowych szczegółów dotyczących wizji filmu przez Lyncha.
Przez lata David Lynch zyskał stabilną reputację tworząc filmy, które fascynują i rzucają wyzwanie wyobraźni umysłu, ale mogą nie być najbardziej spójną rozrywką. Nawet bardziej komercyjne wysiłki Lyncha, takie jak The Elephant Man i D une z 1984 roku, mają swoje niesamowite cechy na wiele sposobów.
Dzięki jego znaczącemu życiorysowi filmy Lyncha i praca telewizyjna zainspirowały niezliczonych twórców i autorów pracujących w dziale rozrywkowym. Nawet w najbardziej złożonych momentach Eraserhead to film, który zasługuje na obejrzenie i przekazanie innym dla przyjemności oglądania. Eraserhead z pewnością nie będzie łatwym zegarkiem, ale będzie to zegarek, który będzie renderował się w mózgu przez jakiś czas, i to właśnie te filmy sprawiają, że publiczność jest przerażona doświadczeniem filmowym.
Fakt, że Lynch nie chce wyjaśnić znaczenia, sprawia, że dyskusja o nim jest jeszcze bardziej fascynująca.
Po obejrzeniu tego, zwykłe filmy wydawały się zbyt proste przez tygodnie.
Uwielbiam to, jak to zapoczątkowało całą karierę Lyncha. Można zobaczyć elementy, które rozwinął w swoich późniejszych dziełach.
Rozumiem, dlaczego nie jest dla każdego, ale ci, którzy to rozumieją, naprawdę to rozumieją.
Ten film nauczył mnie, że horror nie potrzebuje jump scare'ów, żeby być skutecznym.
Sposób, w jaki Lynch przedstawia domowy niepokój, jest tak surowy i szczery, pomimo surrealistycznych elementów.
To niesamowite, jak wpływowy stał się ten film, biorąc pod uwagę jego skromny budżet.
Obrazy pozostają z tobą długo po zakończeniu filmu. Nadal myślę o niektórych scenach miesiącami później.
Nie jestem pewien co do 'casualowego widza', ale poważni fani kina zdecydowanie powinni to obejrzeć.
Ciągle wracam myślami do sceny przy kolacji. Jest niewygodna w dobry sposób.
Sposób, w jaki Lynch używa ciszy, jest równie ważny, jak industrialne dźwięki.
Przejścia między scenami są tak płynne, jak sen przechodzący z jednej chwili w drugą.
Myślę, że zwykli widzowie mogą to docenić, jeśli podejdą do tego z otwartym umysłem.
Sposób, w jaki przedstawia izolację w środowisku miejskim, wydaje się bardzo aktualny dzisiaj.
Niektóre sceny wyglądają, jakby wyszły prosto z gorączkowego snu. Lynch naprawdę wie, jak dotrzeć do naszych podświadomych lęków.
Za każdym razem, gdy to oglądam, mam inną interpretację. To czyni go arcydziełem.
Charlotte Stewart zasługuje na więcej uznania za rolę Mary. Doskonale oddaje niestabilność tej postaci.
Film działa lepiej, jeśli nie próbujesz wszystkiego zrozumieć. Po prostu pozwól mu się sobą zalać.
Zgadzam się co do wyboru czerni i bieli. Kontrast sprawia, że wszystko jest bardziej tajemnicze i niepokojące.
Tempo jest celowo powolne, ale to właśnie czyni go tak skutecznym. Buduje napięcie idealnie.
Uwielbiam pokazywać to znajomym, którzy myślą, że już wszystko widzieli. Ich reakcje są bezcenne.
Wpływ filmu na kino grozy jest niezaprzeczalny. Można dostrzec jego fragmenty w tak wielu współczesnych thrillerach psychologicznych.
Sposób, w jaki Lynch przedstawia lęk rodzicielski, jest genialny. To jak gorączkowy sen o obawach nowych rodziców.
Oglądałem to o północy sam. Najgorsza decyzja w życiu. Nie mogłem potem spać.
Czy ktoś jeszcze uważa, że industrialne dźwięki mają reprezentować stan psychiczny Henry'ego?
Relacja między Henrym a Mary wydaje się tak realna pomimo surrealistycznego otoczenia.
Uważam, że jest bardziej przystępny niż niektóre późniejsze dzieła Lyncha, takie jak Inland Empire.
Dama z Grzejnika śpiewająca In Heaven jest zarówno piękna, jak i przerażająca. Czysty Lynch.
Oglądanie tego filmu zmieniło moje myślenie o kinie eksperymentalnym. Pokazało mi, że filmy nie potrzebują tradycyjnej narracji.
Scena, w której Henry kroi dziecko, prześladuje mnie do dziś. Nie mogę tego odzobaczyć.
Rozumiem, dlaczego niektórzy ludzie tego nienawidzą, ale to właśnie sztuka powinna czasem robić - sprawiać, że czujemy się nieswojo.
Lalka dziecka wciąż wygląda niepokojąco. Nie wyobrażam sobie, jak reagowała publiczność w 1977 roku.
Tylko dlatego, że film jest wyjątkowy, nie oznacza, że jest dobry. Uważam go za pobłażliwy i nudny.
Industrialna sceneria przypomina mi moje rodzinne miasto. Może dlatego tak bardzo do mnie przemówiło.
Uwielbiam to, że Lynch nigdy nie wyjaśnia znaczenia. Pozwólmy nam samym to rozgryźć.
Mój profesor filmoznawstwa powiedział, że ten film jest o strachu przed rodzicielstwem. Po zostaniu rodzicem sam to całkowicie rozumiem.
Właściwie uważam to za zabawne w mroczny sposób. Niezręczna dynamika rodzinna wydaje się dziwnie bliska pomimo surrealistycznej scenerii.
Scena obiadu z rodziną Mary to czysty horror psychologiczny bez żadnych jump scare'ów. Czysty geniusz.
Pokazałem to mojemu współlokatorowi, który ogląda tylko filmy Marvela. Wielki błąd. Wyszedł po 20 minutach.
Efekty praktyczne trzymają się zaskakująco dobrze po tylu latach. Współczesne CGI zrujnowałoby organiczną upiorność.
Ten film jest jak koszmar, z którego nie możesz się obudzić. Mówię to jako komplement.
Masz absolutną rację co do dźwięku. Musiałem nawet ściszyć głośność podczas niektórych scen, ponieważ był tak intensywny.
Występ Jacka Nance'a jako Henry'ego jest poważnie niedoceniany. Jego mimika opowiada tak złożoną historię.
Dźwięk zasługuje na większe uznanie. Te industrialne odgłosy tworzą tak klaustrofobiczne uczucie w całym filmie.
Nie każdy film musi karmić widza łyżeczką. Uwielbiam to, że ten film pozostawia tak wiele otwartym na interpretację.
Obejrzałem go już trzy razy i za każdym razem zauważam coś nowego. Obrazy płodu w sekwencji otwierającej wciąż mnie zastanawiają.
Lynch kręcił ten film przez pięć lat i wierzę, że każda minuta była tego warta. Dbałość o szczegóły jest niesamowita.
Czy ktoś jeszcze zauważył, że sceny z panią z kaloryfera wydają się reprezentować ucieczkę Henry'ego od odpowiedzialności rodzicielskich? Tak to przynajmniej interpretuję.
Czarno-biała kinematografia dodaje tak wiele do niepokojącej atmosfery. Nie wyobrażam sobie, żeby ten film miał taki sam wpływ w kolorze.
Z całym szacunkiem się nie zgadzam. Choć jest interesujący artystycznie, uważam, że film jest niepotrzebnie niejasny i pretensjonalny.
Ten film nie jest przeznaczony do oglądania na co dzień, ale właśnie to czyni go wyjątkowym. Lynch stworzył coś naprawdę unikalnego, co nadal wpływa na filmowców.
Sceny z dzieckiem dosłownie dały mi koszmary. Musiałem włączyć wszystkie światła w mieszkaniu po obejrzeniu tego.
W końcu obejrzałem wczoraj Eraserhead i wciąż przetwarzam to, co zobaczyłem. Industrialny pejzaż dźwiękowy naprawdę wrył mi się pod skórę w sposób, którego się nie spodziewałem.