Är David Lynchs regidebut Eraserhead lämplig för tillfälliga biobesökare?
Den unga regissören David Lynch släpptes våren 1977 och släppte sin debutfilm Eraserhead, efter år av svårigheter att få lågbudgetfilmen igång. Till och med nästan 40 år efter lanseringen är Eraserhead en kultfilm som har väckt en uppsjö av fanteorier och helhjärtade debatter fram till denna dag.
Baserat på en ganska förenklad premiss ser den svartvita science fiction-filmen till synes genomsnittlig joe Henry Spencer (spelad av Jack Nance) belastad med ett nyfött barn. Endast detta barn är en varelse som är mer i linje med en interdimensionell besökare än den genomsnittliga Gerber- maskoten.
Som en skarp kontrast till 1970-talets skräck/sci-filmer beslutar David Lynch att uppsluka Eraserhead i en helt svartvit färgpalett, som kan fungera som en subtil hyllning till de klassiska Universal-monsterfilmerna från 1930-, 40- och 50-talet. Lynch skulle upprepa samma stilistiska teknik med sin Oscar-nominerade långfilm The Elephant Man, ett annat psykologiskt kultdrama med en ovanlig huvudperson.
Medan Eraserhead kan följa den konventionella treaktsstrukturen i de flesta filmer, är själva filmen byggd av en sci-fi-fantasy-feberdröm. I likhet med en mängd framtida David Lynch-projekt är regissören inte benägen att ge upp några svar från början.
Lite om några detaljer avslöjas om betydelsen av Henrys distinkta frisyr, platsen för den industriella miljön, ursprunget till det främmande barnet, eller en viss sångare avslöjad mot filmens andra akt. Allt lämnas mestadels upp till publikens tolkning, vilket kan vara bra eller dåligt. Lynch är inte en regissör som alla kommer att gravitera mot, men han är en filmskapare som är mycket respekterad för sin tendens att ta risker och skapa ett oändligt pussel av hemligheter för sin publik.
Skakar upp genren
När Eraserhead tar ett djupare dyk i Henrys psyke fortsätter filmen bara att bli mer säker på sin konstighet, eftersom Lynch inte håller publikens hand och tillfälligt flyttar sin berättelse utan problem. Vid den andra akten är filmens allmänna gåta ännu mindre nära att lösas upp än de första 20 minuterna.
Istället för att överge sitt barn kommer Henry in för att ta ansvar för sitt eget och tar hand om varelsen som en riktig förälder. Även om barnet kan vara en häpnadsväckande bild att vänja sig vid, grundar Henrys förhållande till sin flickvän Mary X (Charlotte Stewart) och deras främmande barn filmen på ett sätt som kan verka bekant för fördrivna tittare. I rättvisans namn är Eraserhead en film som drar nytta av flera visningar, med tanke på att den är full av innuendos och bilder.
Att titta på en film igen med en annan uppsättning linser kan vara ännu mer givande än att låta en film spelas in under en viss tid. En avslappnad publikmedlem kan känna sig hemma med Lynchs uppföljningsfilm från 1980 E lefantmannen, men Eraserhead är inte en film som kommer att göra några fördelar för sorglösa tittare. Det är mindre framträdande med sina svar än de flesta filmer och ännu mer ospecificerat med det slutliga resultatet.
En oregelbunden berättande struktur
Kärnan i all denna kuslighet och outhärdliga upplevelser är den klamorösa klockan från en radiator. Medan David Lynchs ursprungliga fansfavorit-tv-program Twin Peaks (1990-1991) kanske döljer sina konstiga egenskaper i form av ett klassiskt mordmysterium, väljer Eraserhead bort småstadsmordet för en unik familjedynamik.
Även om Eraserhead kanske inte är en skräckfilm i ordets allmänna mening, är Lynchs debutfilm inte ett företag som i slutändan förlitar sig på gore- eller hoppskräck utan psykologiska fasor i sinnet. Från den inledande introduktionen bjuds tittarna på en skjortlös vanställd man som ligger i skuggan vid ett fönster, en fosterhög som faller ner från himlen och den titulära Ersaerhead-karaktären Henry som svävar över en silhu ett av månen.
Från den tidpunkten tar Eraserhead ett djupt dyk i det mörka och dementa psyket hos en man som blir vårdgivare för ett nyfött barn. Innan en publik kan förstå den sanna naturen i den värld som dessa tvivelaktiga karaktärer upptar, tar filmen ytterligare en oroande vändning till en deformerad kvinna som sjunger på sin ensamhet omgiven av fullständigt mörker och glädjande karnevalmusik. Denna kvinna (spelad av Laurel Near) har kallats ”Lady in the Radiator” och representerar de skrämmande bilderna förknippade med filmen och dess psykologiska skräckundertoner.
Varje kommande bild är mer störande och uppslukande än den förra. Om Eraserhead släpptes i det nuvarande filmlandskapet kanske mottagandet för filmen inte har varit detsamma. Author-regissörernas ålder tog fart i början av 1970-talet, medan nuvarande Hollywood till stor del är stolt över uppföljare och omstarter för att driva sitt företag.
Publikens uppmärksamhet har redan börjat avta och berättelsen om Henry och hans döende främmande barn är en film som i hög grad förlitar sig på den uppmärksamheten. Om någon har börjat vackla någon gång riskerar de att förlora några minuter men ändå viktiga detaljer angående Lynchs vision av filmen.
Den allmänna domen
Genom åren har David Lynch fått ett stabilt rykte för att skapa filmer som fascinerar och utmanar sinnets fantasi men kanske inte är den mest sammanhängande underhållningen. Till och med Lynchs mer kommersiella insatser som The Elephant Man och 1984: s Dune har sina kusliga egenskaper om dem på fler sätt än ett.
Genom hans omfattande CV har Lynchs filmer och arbete inom tv inspirerat otaliga skapare och författare som arbetar i underhållningsavdelningen. Även i sina mest komplexa ögonblick är Eraserhead en film som förtjänar att ses och vidarebefordras till andra för deras tittarglädje. Eraserhead kommer verkligen inte att vara en lätt klocka, men det kommer att vara en klocka som kommer att återges i hjärnan under en tid, och det är de filmerna som gör en publik förvånad över filmupplevelsen.
Opinions and Perspectives
Det faktum att Lynch inte förklarar meningen gör det ännu mer fascinerande att diskutera.
Efter att ha sett detta kändes vanliga filmer för enkla i flera veckor.
Älskar hur detta startade Lynchs hela karriär. Man kan se element som han utvecklade i sina senare verk.
Jag förstår varför den inte är för alla, men de som förstår den förstår den verkligen.
Den här filmen lärde mig att skräck inte behöver jump scares för att vara effektiv.
Sättet Lynch skildrar inhemsk ångest är så rått och ärligt, trots de surrealistiska elementen.
Min flickvän gick ut efter halva filmen. Jag såg klart den ensam. Värt det dock.
Det är fantastiskt hur inflytelserik den här filmen blev med tanke på dess modesta budget.
Bildspråket stannar kvar hos en långt efter att filmen är slut. Jag tänker fortfarande på vissa scener månader senare.
Är inte säker på det där med den tillfälliga tittaren, men seriösa filmfans borde definitivt se den.
Jag återkommer hela tiden till middagsscenen. Den är obekväm på alla rätt sätt.
Sättet Lynch använder tystnad är lika viktigt som de industriella ljuden.
Man måste verkligen vara i rätt sinnesstämning för att se den här filmen.
Att se detta på bio måste ha varit en intensiv upplevelse tillbaka 1977.
Scenövergångarna är så sömlösa, som en dröm som flyter från ett ögonblick till nästa.
Jag tror att vanliga tittare kan uppskatta den om de närmar sig den med ett öppet sinne.
Sättet den porträtterar isolering i en urban miljö känns väldigt relevant idag.
Jag uppskattar hantverket men jag vill aldrig se den igen. En gång räckte för mig.
Vissa scener känns som om de kom direkt från en feberdröm. Lynch vet verkligen hur man utnyttjar våra undermedvetna rädslor.
Varje gång jag ser den har jag en annan tolkning. Det är det som gör den till ett mästerverk.
Charlotte Stewart förtjänar mer beröm för sin prestation som Mary. Hon fångar karaktärens instabilitet perfekt.
Filmen fungerar bättre om du inte försöker förstå allt. Låt den bara skölja över dig.
Jag håller med om valet av svartvitt. Kontrasten gör allt mer mystiskt och oroande.
Tempot är medvetet långsamt, men det är det som gör den så effektiv. Den bygger upp skräck perfekt.
Jag älskar att visa den här för vänner som tror att de har sett allt. Deras reaktioner är ovärderliga.
Filmens inflytande på skräckfilm är obestridligt. Man kan se bitar av den i så många moderna psykologiska thrillers.
Sättet Lynch porträtterar föräldraångest är briljant. Det är som en feberdröm av nya föräldrars rädslor.
Jag såg den här vid midnatt ensam. Sämsta beslutet någonsin. Kunde inte sova efteråt.
Är det någon annan som tänker att de industriella ljuden är menade att representera Henrys mentala tillstånd?
Relationen mellan Henry och Mary känns så verklig trots den surrealistiska miljön.
Jag tycker faktiskt att den är mer tillgänglig än några av Lynchs senare verk som Inland Empire.
Kvinnan i elementet som sjunger In Heaven är både vacker och skrämmande. Ren Lynch.
Att se den här filmen förändrade hur jag tänker på experimentell film. Den visade mig att filmer inte behöver traditionella berättelser.
Scenen där Henry skär i bebisen hemsöker mig än idag. Jag kan inte glömma den.
Jag förstår varför vissa människor hatar den, men det är vad konst ska göra ibland få oss att känna oss obekväma.
Bebisrekvisitan ser fortfarande störande ut idag. Jag kan inte föreställa mig hur publiken reagerade 1977.
Bara för att en film är unik betyder det inte att den är bra. Jag tyckte att den var självupptagen och tråkig.
Den industriella miljön påminner mig om min hemstad. Kanske är det därför den berörde mig så mycket.
Jag älskar hur Lynch aldrig förklarar meningen. Låt oss lista ut det själva.
Min filmlärare sa att den här filmen handlar om rädslan för föräldraskap. Efter att själv ha blivit förälder förstår jag det helt.
Jag tycker faktiskt att den är rolig på ett mörkt sätt. Den besvärliga familjedynamiken känns konstigt relaterbar trots den surrealistiska miljön.
Middagsscenen med Marys familj är ren psykologisk skräck utan några jump scares. Ren genialitet.
Jag visade den här för min rumskamrat som bara tittar på Marvel-filmer. Stort misstag. Han gick efter 20 minuter.
De praktiska effekterna håller anmärkningsvärt bra efter alla dessa år. Modern CGI skulle ha förstört den organiska kusligheten.
Den här filmen känns som en mardröm du inte kan vakna upp från. Jag menar det som en komplimang.
Du har helt rätt om ljudet. Jag var faktiskt tvungen att sänka volymen under vissa scener eftersom det var så intensivt.
Jack Nances prestation som Henry är allvarligt underskattad. Hans ansiktsuttryck berättar en så komplex historia.
Ljuddesignen förtjänar mer erkännande. De industriella ljuden skapar en sådan klaustrofobisk känsla genom hela filmen.
Alla filmer behöver inte matas med sked till publiken. Jag älskar hur den här filmen lämnar så mycket öppet för tolkning.
Jag har sett den tre gånger nu och jag märker något nytt varje gång. Fosterbilderna i öppningssekvensen förbryllar mig fortfarande.
Lynch tog fem år att göra den här filmen och jag tycker att varje minut var värd det. Uppmärksamheten på detaljer är otrolig.
Är det någon annan som har märkt hur radiatorladyscenerna verkar representera Henrys flykt från sitt föräldraansvar? Det är min tolkning i alla fall.
Den svartvita filmningen bidrar så mycket till den obehagliga atmosfären. Jag kan inte föreställa mig att den här filmen skulle ha samma effekt i färg.
Jag håller respektfullt inte med. Även om den är konstnärligt intressant, tycker jag att filmen är onödigt obskyr och pretentiös.
Den här filmen är inte avsedd för avslappnad visning, men det är just det som gör den speciell. Lynch skapade något verkligt unikt här som fortfarande påverkar filmskapare idag.
Bebisscenerna gav mig bokstavligen mardrömmar. Jag var tvungen att tända alla lampor i min lägenhet efter att ha sett den.
Jag såg äntligen Eraserhead igår kväll och jag bearbetar fortfarande vad jag såg. Det industriella ljudlandskapet kröp verkligen under skinnet på mig på ett sätt jag inte förväntade mig.