Once Upon a Time in Hollywood: En nödvändig tidsbild

Medan vi nyligen gjorde en grundlig granskning av periodstycken, fanns det en som verkligen förtjänar sin egen artikel. Quentin Tarantinos nionde film, Once Upon a Time in Hollywood, tar oss in i 1960-talets Hollywood, full av glamour och minikjolar, liksom stadens mörka underliv medan de brutala Manson-morden lurar i horisonten.

Once Upon a Time in Hollywood är en komedi-dramafilm från 2019 regisserad av Quentin Tarantino. Med Leonardo DiCaprio, Brad Pitt och Margot Robbie i huvudroller na utspelar det sig i Hollywood 1969 och innehåller karaktärer och plotpunkter kring de ökända Tate-morden.

Å ena sidan, Once Upon a Time in Hollywood är ett glårigt, härligt kärleksbrev till Hollywood. För en man som gjorde sin berömmelse och sina miljoner i denna stad såväl som på dess främsta export, är det förståeligt att tiden före Manson-morden var några av de bästa i Hollywoods historia.

Den ljusa sidan av Hollywood på 1960-talet

Den här filmen har allt: pittoreska scener och platser som alla återställts till sin glans från 1960-talet, klassiska bilar med glans, minikjolar, go-go-dans, en fest på Playboy Mansion, en flygning på Pan-Ams lyxiga internationella sträcka, en inblick i en dag i livet för både en skådespelare och en stuntman, liksom en historiskt korrekt skildring av den blonda bomben Sharons sista dag på denna jord.

i alla fall, denna skildring är bara korrekt upp till en viss punkt; Tarantino väljer att undergräva tittarens förväntningar och låta våra huvudpersoner hämnas på de irriterande Manson-barnen för att de förstörde det klassiska Hollywood. Det känns bra. Det är det onödiga våldet som regissören är känd för, men det är också hans försök att måla en ny bild av vad som kunde ha varit fortsättningen av Hollywoods guldålder.

Och vem kan skylla på honom? Hollywood erbjuder den ultimata drömmen: en chans att bli känd och älskad för det du gör. I ett land som specialiserat sig på berättelser om trasor till rikedomar och den amerikanska drömmen, är denna stad kanske den hyperboliska symbolen för den idén.

Som sådan får vi i den nyligen släppta romaniseringen av filmen, som släpptes den 29 juni 2021, inblick i vad som hände efter filmens våldsamma klimax. Rick Daltons bedrifter mot hippierna slår ett ackord med många Hollywood-chefer och han finner framgång i filmindustrin när han återkommer som en berömd invånare i staden. Han hittar filmroller och fortsatt framgång, och allt han behövde göra var att ändra historien själv för att få det att hända.

Inte sedan Mad Men har vi sett en så detaljerad och underbar skildring av historiens grovaste decennium. Tarantino älskar den här staden och han saknar sin barndom. Du kan känna det överallt, du kan höra det i soundtracket från hans ungdom, du kan se det när du rider tillsammans med Cliff Booth på resan till Van Nuys Drive-In. Garderoben är fantastisk, och filmens enorma budget tillåter vad som möjligen kan vara den vackraste och historiskt mest exakta skildringen av Hollywood på 1960-talet som någonsin ägnats åt film.

Hollywoods mörka underliv

Å andra sidan har Tarantino alltid haft en förkärlek för att undergräva förväntningarna i sina filmer genom att rätta till historiens fel genom historisk revisionism och hämnd. Hans insats från 2009, Inglorious Basterds, det första projektet han arbetade med med Pitt, ger oss en alternativ historia där Hitler mördas av de judiska rekryterna till en amerikansk gerillastyrka. I Django Unchained, bara tre korta år senare, bjuds vi på en annan revanchistisk fantasi där Django tar sig an sina fångare och skickar dem med brutal effektivitet.

Eftersom dessa alla är må bra ögonblick för att korrigera historiens ondska, kan man bara föreställa sig vad en filmälskare som Quentin Tarantino skulle göra om han kunde skriva om det förflutna som avslutade Hollywoods guldålder. Verkligen, det är Tate-Labianca-morden som gjorde staden impotent i kölvattnet av tragedin på höjden av hippie- och motkulturens era. Som Joan Didion sa i sin hyllade uppsats om 1960-talet, The White Album, ”Många människor jag känner i Los Angeles tror att sextiotalet slutade plötsligt den 9 augusti 1969.”

För en man som bara var sex när morden inträffade, även om han var filmfans då och bosatt i Los Angeles också, längtar han efter att hämnas de fruktansvärda gärningarna och få tillbaka Hollywoods ära. Detta är inte så förvånande med tanke på att Tarantino alltid har varit en frodig för de finare minnena från filmskapande. Det som kanske är en intressant parallell att dra här, är det mörker som Hollywood rymmer i vår moderna tid. Det finns verkligen vissa likheter som #MeToo -rörelsen delar med de mörka dagarna 1969.

När allt kommer omkring var det en av Tarantinos främsta finansiärer och mannen som han senare skulle kalla sin ”[röriga] faderfigur” som skulle vara gnistan som antände rörelsen för att avsluta sexism och kvinnohat i filmlandets heliga grunder. Naturligtvis hänvisar vi till den avskyvärda Harvey Weinstein. Faktum är att On ce Upon a Time in Hollywood är Tarantinos första film som inte innehåller engagemang från den vanärade producenten.

Med detta i åtanke kan man inte låta bli att undra om Tarantinos försök att rätta till fel i Hollywoods förflutna inte också kan hänvisa till hans förhållande till förövaren av den största skandalen i Hollywoods historia. Tarantino valde att gå tillbaka till 1960-talet, och vad många har kallat ”århundradets brott” i Manson-morden, kan ha varit mer passande än vi insåg.

Leonardo DiCaprio som Rick Dalton

Leonardo DiCaprio är en skådespelare som tillbringade många år på att jaga en Oscar tills hans slutliga triumf med 2015 års The Revenant. Med det i åtanke, karaktären han spelar i den här filmen, over-the-hill-skådespelaren Rick Dalton är särskilt passande. Det finns många paralleller mellan DiCaprio och Dalton som gör att den moderna huvudpersonen kan spela 1960-talets skådespelare med skicklig realism.

Även om DiCaprio själv är medveten om Daltons grund på många av dagens skådespelare, inklusive Ralph Meeker och Ty Hardin, väckte han till liv många av de känslor han själv har upplevt som en Hollywood-ledande man. Leo, som själv har arbetat med Tarantino på den hyllade filmen Django Unchained från 2012, tog med sig sitt A-spel till uppsättningen och kunde till och med släppa en del av sitt eget inflytande på Quent ins strikta idéer för filmen.

Verkligen, en av de bästa scenerna i filmen, där Dalton fluffar sina linjer för Lancer- piloten, var faktiskt ett DiCaprio-hjärnbarn. När Leo föreslog detta var Tarantino irriterad över att det skulle ta bort från ”western inuti filmen”. Men efter en viss övervägning kom regissören överens med stjärnan. Om händelsen hade Tarantino detta att säga: ”Bra. Jag skriver en version, och vi kommer att göra Lancer-scenen rakt och med [misstaget], med vetskap om att i redigeringsrummet skulle jag göra vad jag ville.

Eftersom den här scenen ledde till en annan mörk komisk direkt efter, som Tarantino hänvisar till som Daltons ”Travis Bickle-sekvens”, kan han ha haft fel instinkt angående DiCaprios förslag. Naturligtvis är scenen i fråga den där Rick slänger sitt omklädningsrum och förbannar sig själv i spegeln och hotar att döda sig själv om han misslyckas igen.

Detta är kanske en av aspekterna av Dalton som har berörts på senare tid, med tanke på släppet av romaniseringen av filmen, skriven av Quentin Tarantino själv. Bok en, även med titeln Once Upon a Time in Hollywood släpptes av regissören som en pocketbok och ger lite bakgrundshistoria till Ricks ilska, går så långt som att diagnostisera den åldrande skådespelaren med obehandlad bipolär sjukdom.

Det är denna koppling till den moderna världen av mental hälsomedvetenhet som bara är en av de många påtagliga parallellerna mellan Daltons värld och vår. Det är stunder som detta som gör att publiken kan känna empati för karaktären som sitter fast i en tid där han inte är fri att diskutera mental hälsa, än mindre söka behandling för den. Detta skulle vara svårt för någon kändis, särskilt med tanke på ökningen av paparazzi-trakasserier som vi känner så bra idag.

Även om DiCaprio nominerades till bästa huvudskådespelare för sitt arbete med den här filmen, förlorade han slutligen till Joaquin Phoenixs oerhört populära Joker- föreställning, som kom med en färdig fanbas. Fortfarande, filmen var inte utan sina utmärkelser.

Brad Pitt som Cliff Booth

Det finns en skådespelare som vann ett Oscar för sitt arbete med Once Upon a Time in Hollywood, och även om det är för bästa biroll, det var verkligen välförtjänt. Brad Pitt vann sin allra första Oscar med sin prestation som stuntman Cliff Booth, och hans sidekick-karaktär hittades förtjusande av fans runt om i världen.

Även om filmen visar de starka skillnaderna mellan de två männen, Dalton och Booth, det finns en viss idé om en ”dubbel” som höjer huvudet flera gånger i filmen. På öppningskrediterna, när de två är sida vid sida i Ricks bil, med Pitt bakom förarratten inte mindre, deras namn finns där uppe på skärmen under den felaktiga skådespelaren. Om du är uppmärksam kommer du att se DiCaprios namn under Pitts ansikte, och vice versa.

Verkligen, filmen går längre in i det dubbla förhållandet mellan männen, kontrasten mellan deras arbetssituation, och deras mycket allvarliga vänskap. Cliff är en man som skulle göra vad som helst för sin kompis, erbjuder att psyka upp honom innan han går på set, håller honom när han gråter, och i allmänhet bara vara där för honom när han behövs. I en av de mer minnesvärda scenerna i filmen, på grund av att den tidigare sexigaste mannen i världen tog bort sin skjorta, fixar Cliff Ricks tv-antenner som har blåsts av taket på natten.

Som Once Upon a Time in Hollywood, boken, avslöjar, har Booth en djup känsla av vördnad för kamratskap och broderskap. Hans tjänst under andra världskriget, både som en oregelbunden fighter i de japanskt ockuperade Filippinerna och som en formell värvad man i Europa, har lämnat djupa ärr på stuntmannen. Det är i denna skjortlösa scen där vi ser de bokstavliga såren på Booths bröst. I romanen ges många fler detaljer om den vilda behandlingen av Booths medsoldater om de fångades av japanerna.

Dessa grymheter mot amerikanska soldater är välkända bland historiker, men i en underhållningsbaserad fiktionsroman kommer de ut som ett ganska intressant lager till Booths bakgrundshistoria. Den kontroversiella scenen som alla diskuterar, där Booth kanske eller inte kan döda sin fru, har provocerat mycket ångest på grund av dess möjligen underförstådda kvinnohat.

I boken får vi bakgrunden till den döden, och även om vi är här för att säga att Booth var skyldig till mordet, måste vi också rapportera att Tarantino antyder att mängden våld som Booth har utstått i sitt liv har gett plats för en ond natur som annars inte skulle ha manifesterat sig.

Margot Robbie som Sharon Tate

Den australiensiska skönheten och fantastiska skådespelerskan i sin egen rätt, Margot Robbie, fick ett svårt uppdrag i den här filmen. Inte bara var hon tvungen att kanalisera en omhuldad Hollywood-ikon som togs för tidigt, hon var också tvungen att göra det på ett övertygande och originellt sätt som inte skulle besmitta den sena skådespelerskan Shar on Tate.

För en skicklig artist som Robbie, detta var en uppgift hon var redo att möta direkt. Även om hon hade få rader och ännu färre plotpunkter för hennes karaktär att följa, insisterade Tarantino på att hon var en integrerad del av filmen. På frågan om syftet med att inkludera Sharon i den här berättelsen sa han, ”Hon var nästan tänkt att representera normalitet i [filmen]. Hon har ingen komplott att göra, vi tittar bara på henne leva sitt liv för det var det som rånades från henne, det var att leva sitt liv.”

Det var denna vardagliga skildring av stjärnans liv som gjorde det möjligt för henne att bli trovärdig som Tate själv. Vi får se vad Sharon gjorde en vanlig dag. Publiken får vara med henne när hon njuter av sin första stora smak av framgång när hon går för att se sig själv i The Wrecking Crew. Vi rider hagelgevär när hon spelar den goda samaritanen till en hippie som behöver en åktur, vilket kanske är en ironisk omständighet.

Sanningen är att Sharon var mycket en del av hippiekulturen på 1960-talet. Djärvt beteende för tiden fick henne att dyka upp i Playboy med sin man Roman Polanski. 60-talet visade upp Tate som en sexsymbol, även om hon verkligen var en ganska reserverad skönhetsdrottning från Texas.

Margot har länge varit en sexikon, särskilt känd för sin skildring av Jordan Belforts fru i Martin Scorseses The Wolf of Wall Street. I ännu en grad av gemensamhet, den här filmen hade sin stjärna mittemot Leonardo DiCaprio själv.

Faktum är att Margot hade liten kontroll över sin karaktär i den här filmen eftersom Tarantino hade en mycket tydlig uppfattning om vad han ville att hennes Tate skulle göra. Margot gjorde vad han ville, hon dök upp som den vackra, andfådda och ouppnåeliga stjärnan som han visste att Sharon var i sin egen tid. På vissa sätt är Robbies Tate en ängel i filmen och får leva ut sitt liv i filmens saga när det verkliga livet var mycket mer trag iskt och sjukt.

Även om Robbie nu har arbetat med massor av stora regissörer inklusive Scorsese och Tarantino, hon har också stigit upp till sin egen status som ledande dam.

Soundtracket till Once Upon a Time in Hollywood

Musiken i den här filmen är en mycket viktig aspekt som hjälper till att väcka liv i det decennium som kanske är mest känt av sina ljud. Men Tarantino har gjort ett intressant drag här. Istället för att inkludera basplagg från eran, som The Beatles eller The Doors, har han valt ett mer pop-orienterat soundtrack med hits som redigeras för att inkludera riktigt ljud från Los Angeles radiostation, KHJ, som var känd på 1960-talet.

Han använder tidens populärmusik som Paul Revere & the Raiders för att visa Sharons kärlek till bubblegummusik samt hennes koppling till Terry Melcher, en musikproducent som en gång gick med på att spela in Charles Mansons musikaliska demo. Detta är en ironisk och realistisk nick till det tragiska förhållande som många Hollywood-stjärnor hade till Mansons bana och ifrågasätter hur välkänd Charlie var bland dagens stjärnor.

När han inkluderar ett större band från eran, som The Rolling Stones, väljer han en låt som talar om slutet på en era i ”Out of Time”. Soundtracket är också chockfullt av reklamfilmer som skulle överensstämma med tidsperioden för den ultimata effekten av att känna att du lyssnar på en riktig radiostation från 1960-talet.

Istället för att inkludera The Mamas och Papas ”California Dreamin'” väljer han den berömda puertoricanska sångaren José Felicianos återgivning av spåret. Detta påminner oss om den latinska kulturens inflytande på Kalifornien, liksom gränsen som den delar med Mexiko. Namnen i städerna är alla spanska och det är också statens namn, så det är bara lämpligt att inkludera den här versionen av låten också. I tider med hård debatt kring invandring kan man föreställa sig att detta är Tarantinos sätt att ge sin stämpel på latinkulturens inflytande i Amerika.

Quentin Tarantino på sin mest meta

Det är passande att bilden av Rick Dalton som pekar på sig själv på TV: n när han debuterar sin FBI- prestation har blivit ett så populärt meme under de senaste två åren. Meme i sig refererar till ett metamoment eller en självreferentiell instans som gör att den aktuella historien kan kommentera konventionerna i sin genre eller dess förflutna. Med det i åtanke, vad menar vi när vi säger ”meta” när det gäller film?

Meta är ett adjektiv för när ett kreativt verk hänvisar till sig själv eller kommenterar traditioner i sin genre eller tidigare verk.

Quentin Tarantino är en regissör som älskar att visa upp sin skicklighet som filmälskare. När han kan använda metareferenser i sina filmer gör han det med en känsla för filmkulturens tidsåskådning. Till exempel är Karmann Ghia som Cliff Booth kör inte bara samma bil från K ill Bill som Uma Thurman körde i sin mycket publicerade olycka, utan det är också bilen som regissörens styvfar körde honom runt Los Angeles i när han var barn på 1960-talet.

Cliff Booths hela öppningsgarderob lyfts från Billy Jack, filmen från 1971 av Tom Laughlin. Bakgrunden för denimdrabbarna ges i romaniseringen av filmen. Faktiskt, Rick Daltons hela berättelse kommenterar något som Quentin Tarantino har varit känt för att göra. Han tar ofta skådespelare förbi sina primtal och gör dem berömda igen.

Tarantino gjorde detta mest effektivt när han kastade en ner och ut John Travolta i Pulp Fiction, och detsamma kan sägas om Bruce Willis i samma film. Till och med det sätt på vilket han utövar Leos mäktiga stjärnkraft som Rick Dalton är i sig en kommentar till denna praxis och Hollywoods skiftande natur.

DiCaprio är fortfarande en stjärna, men för alla som tror att han har passerat sin bästa tid, här är Tarantino för att visa dig hur bra han fortfarande är. Det finns också ett metatextuellt lager i filmen som finns på grund av skådespelarna som skildrar karaktärerna och karaktärerna själva.

Till exempel, det finns denna idé om dubblar genom hela filmen. Cliff är Ricks stuntdubbel, en kille som tar hand om DiCaprios karaktär. Vi känner Pitt som den äldre, mer erfarna skådespelaren, om än bara lite. I det här scenariot, vi som publik kan se de två verkligheterna samlas för att ge filmen mer mening.

I vår tidslinje är Pitt och DiCaprio enorma stjärnor och kompisar. i filmen är Rick en misslyckande stjärna som John Travolta i början av 1990-talet och Cliff är där för att skydda honom från det fallet på samma sätt som han skyddar honom från faran att göra några riktiga stunts.

Pitt som Booth är kanske ett av de roligare valen. Pitt spelar en i princip okänd stuntman i denna alternativa tidslinje. Men i vår är han en av de sexigaste männen som lever och en absolut Hollywood-megastar med makten att göra eller ta allt han önskar.

Det är roligt att tänka på Pitt i Booths position, i utkanten av Hollywood, aldrig komma till toppen men inte heller vilja göra det. Man måste undra hur livet skulle ha varit om Brad Pitt aldrig hade blivit en berömd Hollywood-hunk.

Sedan är det Robbies Sharon Tate som tittar på sig själv på bio. Detta är uppenbarligen en metanick, men det är intressant att notera här Tarantinos val att lämna Tate i filmfilmen. Detta är särskilt intressant när man tänker på hur han har splitsat Leonardo DiCaprio till berömda filmer från eran. Detta visar oss hur Sharon lever vidare i sinnen hos fans av filmer överallt.

Påskägg i Once Upon a Time in Hollywood

Förutom dessa kulturella kommentarer, det finns också massor av påskägg i hela filmen som ger oss en inblick i Tarantinos sinne och de filmer han har njutit av. Tarantino valde att dela Leonardo DiCaprio i filmer från det förflutna, som The Great Escape i ett försök att kombinera de fantastiska filmerna och skådespelarna från våra två tider. Men vänta, vad är ett påskägg frågar du?

Ett på skägg är ett inre skämt eller dolt meddelande i en form av visuella medier, till exempel ett videospel, en tv-show, eller en långfilm.

Även om filmen i sig innehåller förmodligen hundratals nämnda påskägg, det finns några speciella återuppringningar och referenser som sticker ut. Den första kommer i öppningskrediterna när Columbia Pictures-logotypen från 1969 används. Detta gör att vi kan slå oss in i den tidsperiod Tarantino har valt för filmen att leva och andas in. Detta är vad vi skulle ha sett om vi såg en riktig film från 1969.

Playboy Mansion-festscenen är full av påskägg. För alla som är bekanta med Laurel Canyon-ljudet kan du se dina favoritartister representerade på festen. Cass Elliot från The Mamas and the Papas är på denna fest med sin bandkamrat Michelle Phillips. Även om Steve McQueen också är där, inkluderingen av dessa karaktärer är mer än bara en nick till vänskapen Sharon höll.

Polanski lurade ökänt på Sharon med sin vän Michelle Phillips, och innan dejting Polanski, Sharon hade ett förhållande med Steve McQueen. Dessutom förklarar införandet av Jay Sebring på festen och den redogörelse som gjorts av Damian Lewis McQueen det trassliga nätet av kärlekstrianglar och fri kärlek som var på topp under slutet av 1960-talet.

En av de mest intressanta kontextuella kommentarerna i filmen är den avbildade behandlingen av barnaktörer. När Julia Butters karaktär tas som gisslan av Rick Dalton i Lancer-piloten håller han en pistol mot hennes huvud och kastar henne till marken med en hård tonhöjd. Denna typ av våld mot barn skulle aldrig ha sänts på tidens amerikanska tv, så det finns troligen här som en kommentar till det övergrepp som barnstjärnor genomgår. De flesta barnstjärnor har problem med att ens komma till vuxen ålder, än mindre att leva ett normalt liv när de kommer dit.

Eldkastarscenen från The Fourteen Fists of McCluskey är en tydlig nick till den brutala finalen i Tarantinos egen andra världskrigsfilm, Inglori ous Basterds, men den här gången spelar Leo huvudrollen. Denna scen är också en förebild för finalen i On ce Upon a Time i Hollywood också, eftersom detta vapen kommer att vara det som avslutar hippieeran en gång för alla.

Besättningen av Once Upon a Time in Hollywood

Besättningen av Once Upon a Time in Hollywood är ungefär lika stjärnspäckad och packad till randen med kända skådespelare som vilken film som helst kan vara. Med skådespelande storheter som DiCaprio, Pitt och Al Pacino själv, är historiens inställning en nick till filmens eget erkännande av dess fantastiska rollbesättning.

Även om huvudpersonerna spelas av kanske de två största stjärnorna i sin tid, har familjen Manson också några imponerande artister. Dakota Fanning, som har varit en stjärna sedan barndomen, ger en stor vändning som ”Squeaky” Fromme. Margaret Qualley, av The Leftovers berömmelse, har en enastående roll tillsammans med Brad Pitt som Pussycat, en lokal flykting, och hippie lojal mot Charles Manson.

Casting är alltid en viktig del av filmprocessen, och den här gruppen skådespelare slår en hemkörning i sina ansträngningar att väcka Hollywood i den fria kärlekstiden till liv.

Nedan har vi listat skådespelarna som ingår i filmen, Once Upon a Time in Hollywood:

• Leonardo DiCaprio som Rick Dalton
• Brad Pitt som Cliff Booth
• Margot Robbie som Sharon Tate
• Emile Hirsch som Jay Sebring
• Margaret Qualley som ”Pussycat”
• Timothy Olyphant som James Stacy
• Julia Butters som Trudi Frazer
• Austin Butler som ”Tex”
• Dakota Fanning som ”Squeaky”
• Bruce Dern som George Spahn
• Mike Moh som Bruce Lee
• Luke Perry som Wayne Maunder
• Damian Lewis som Steve McQueen
• Al Pacino som Marvin Schwarz
• Nicholas Hammond som Sam Wanamaker
• Samantha Robinson som Abigail Folger
• Rafał Zawierucha som Roman Polanski
• Lorenza Izzo som Francesca Capucci
• Costa Ronin som Wojciech Frykowski
• Damon Herriman som Charlie
• Lena Dunham som ”zigenare”
• Madisen Beaty som ”Katie”
• Mikey Madison som ”Sadie”
• James Landry Hébert som ”Clem”
• Maya Hawke som ”Flowerchild”
• Victoria Pedretti som ”Lulu”
• Sydney Sweeney som ”Snake”
• Kansas Bowling som ”Blue”
• Danielle Harris som ”Ängel”
• Harley Quinn Smith som ”Froggie”
• Rumer Willis som Joanna Pettet
• Dröm Walker som Connie Stevens
• Rachel Redleaf som Mamma Cass
• Rebecca Gayheart som Billie Booth
• Rebecca Rittenhouse som Michelle Phillips
• Scoot McNairy som affärsmannen Bob Gilbert
• Kurt Russell som Randy Lloyd och berättaren
• Zoë Bell som Janet Lloyd

Romaliseringen av Once Upon a Time in Hollywood

Den 29 juni 2021 släppte Quentin Tarantino sin första roman, bokversionen av hans senaste film, Once Up on a Time in Hollywood. Boken är cirka 400 sidor och ger ytterligare bakgrundshistoria och karaktärsinformation som inte visas i filmen.

För dem som inte känner till böcker som är baserade på filmer, de var tidens populära pulp fiction-läsning och kunde hittas på lokala bensinstationer eller spritbutiker bredvid romansromanerna. Med detta i åtanke fick Tarantino Harper Perennial att gå med på att släppa pocketboken först, som det skulle ha gjorts på 1960-talet. På baksidan av boken, det finns annonser för filmer och romaniseringar från tiden som Ser pico.

Noveliseringar hör till stor del till det förflutna, och idag är det mycket vanligare att en film baseras på en bok och inte tvärtom. Så vad är egentligen en novelisering?

En romanisering är en roman som härrör från ett annat medium som en film. Den försöker anpassa berättelsen till bokform, samtidigt som man lägger till eller utelämnar vissa aspekter.

Som sådan kommer älskare av den här filmen att älska den här boken också. Det ger dig den extra insikten i bakgrunden för karaktärerna i Hollywood som försöker överleva i den motkulturens era. Kritiker av filmen som hävdade att karaktärer som Tate och Manson inte fick tillräckligt med skärmtid kommer att vara glada att se dessa karaktärer grundligt kompletterade med detaljerade bakgrundshistorier och flashbacks.

Många frågor från filmen besvaras också i boken, till exempel huruvida Cliff Booth dödade sin fru eller inte. Om du gillar filmen är du skyldig dig själv att ge boken en chans. Det är inte din typiska torra romanisering gjord för ren vinst. Det var ett kärleksarbete för Tarantino, en man som planerar att en dag släppa sin nästan fyra timmar långa klippning av filmen. Utöver det, Quentin Tarantino skriver också ett scen spel av Once Upon a Time in Hollywood och producerar också en Bounty Law -serie.

Detta är en filmälskande film som spelas mot den bittersöta bakgrunden av en kompiskomedi som vi aldrig vill avsluta. Boken ger dig all den extra insikt du kan önska dig i världen av Once Upon a Time i Hollywood. Om du är ett fans föreslår vi att du plockar upp det direkt eftersom det fortsätter att sälja slut överallt.