Die Kunst der Mode

Kunst und Mode haben sich schon immer mehr Tiefe und Kreativität verliehen. Die Zusammenarbeit von Künstlern und Designern war schon immer eine ätherische Kombination. Das Ergebnis dieser beiden unglaublichen Bereiche war die Quelle großer Innovationen, Provokationen und Revolutionen.

Die zwei Gesichter derselben Medaille haben ein breites Spektrum an Forschungsmöglichkeiten eröffnet, das der Welt unglaubliche und unerwartete Ergebnisse gebracht hat. Mode war eine Plattform, um einer bestimmten Persönlichkeit durch Verschönerung und Kleidung Ausdruck zu verleihen. Kunst hingegen ist eine Ebene von Gedanken, die aus dem Kopf von Künstlern kommen und dabei verschiedene Medien wie Farbe, Leinwand, Pinsel und vieles mehr verwenden.

Kunst hat die Fähigkeit, die Künstler zu definieren, die sie geschaffen haben, so wie nacktes Make-up und lockere Jeans die Person durch ihre Mode zum Ausdruck bringen. Diese beiden Fäden von Mode und Kunst waren in der Renaissance zunächst stark miteinander verbunden. Die Künstler dieser Zeit waren stark von der Mode beeinflusst.

Die Verbindung zwischen Mode und Kunst wurde vom 16. Jahrhundert bis zur Moderne immer stärker. Diese Zeit war die Zeit, in der die Menschen stark in Reisen und Entdeckungen vertieft waren, was ihr Interesse an Kostümen anderer Nationen sowie an ihren eigenen Kostümen weckte. Dies änderte allmählich die Perspektive auf Mode, als Kostümbücher gedruckt wurden und zu einer visuellen Quelle für die Menschen wurden.

Viele Künstler aus Paris begannen, sich mit Mode zu beschäftigen. Sie fingen an, sich von Kleidung inspirieren zu lassen. Und so wurde das Verhältnis von Kunst und Mode von Tag zu Tag tiefgreifender. Die Wurzeln dieser beiden Welten sind tief mit dem Selbstexpressionismus verbunden. Seit Jahrhunderten beeinflussen die Kulturen und Grenzen Kunst und Mode.

Elsa Schiaparelli

1937, kurz vor dem Zweiten Weltkrieg, entfaltete Elsa Schiaparelli, eine unglaubliche Modeliebhaberin, ihre Kreativität des Designs immer in Richtung Kunst. Einige ihrer unglaublichen Kunstsammlungen wurden stark vom genialen surrealen Künstler Salvador Dali inspiriert. Er war die Inspirationsquelle für all ihre Designs und arbeitete sogar mit ihm zusammen.

Aus dieser Zusammenarbeit von Kunst und Mode gingen viele ikonische Kollektionen hervor, wie zum Beispiel das berühmte Lobster-Kleid. Ein riesiger Hummer auf einem elfenbeinfarbenen Seidenkleid, das von Dali gemalt wurde. Es war eine Hommage an sein Gemälde Dream — Man findet Lobster in Place of Phone, New York, 1934.

Darüber hinaus führte diese Partnerschaft dazu, dass Dali Shoe Hat entwarf und wurde von Schiaparellis Winterkatalog 1937-38 ausgeführt. Die Verbundenheit, die Schiaparelli und Dali verband, war erstaunlich, da ihr Verstand beide daran arbeitete, andere zu verblüffen.

Schiaparelli ließ ihrer Kreativität durch nichts Grenzen, ihre Kreationen vermittelten ein Gefühl für bezaubernde und mythische Themen, beeinflusst von unglaublichen Couture-Techniken. Sie war schon immer in mystischen Spiritualismus und optische Täuschungen verliebt.

The Tear's Dress, ein Teil von Schiaparellis Circus Collection von 1938. Dieses Kleid wurde von dem Gemälde Drei junge surrealistische Frauen, die die Felle eines Orchesters in ihren Armen halten, inspiriert.

Dalis Zusammenarbeit mit Schiaparelli ging über Kleidung hinaus und entwarf Muster für Stoffe und Parfümflaschen, wie Shocking Radiance Körperöle und die Baccarat-Kristallflasche Le Roy Soleil im Jahr 1946.

Diese beiden haben nie aufgehört, zusammenzuarbeiten und haben eine ikonische und unglaubliche Verschmelzung von Kunst und Mode geschaffen, die die Welt sehen kann.

Pop-Art

Die Pop Art im Jahr 1950 nach dem Zweiten Weltkrieg entstand aus lebendigen Kunstformen, die die Normen der stereotypen klassischen Kunst brachen, und konzentrierte sich auf die Feier gewöhnlicher Gegenstände wie Campbells Suppendosen und Aushängeschilder der Populärkultur.

In der Pop Art ging es darum, die alltägliche Erfahrung des Lebens anzunehmen, die verschiedenen Aspekte der Massenkultur anzuerkennen und ein Band der Vertrautheit mit der neuen Generation von Amerikanern herzustellen. Die Pop-Art verpackte ihre sensationellen und kräftigen Farbkombinationen mit der Werbung.

Diese Kunstform wurde vom Pop-Art-Pionier Richard Hamilton als beliebt, erweiterbar, vergänglich, kostengünstig, massenproduziert, clever, sinnlich, frisch, knifflig, geschäftig, faszinierend beschrieben.

Der große Andy Warhol, die erste Pop-Art-Ikone, die die Modewelt beeinflusste. Er widersetzte sich der Kunstkultur, unbeabsichtigt ihren Beitrag zu leisten und einen großen Einfluss auf die Mode auszuüben. Als Modeillustrator und Mitarbeiter für Zeitschriften verwandelte Any Warhol seine Kunst in Modeartikel.

Dies war die Zeit, in der sich die Exklusivität der High Fashion, die nur der Elite vorbehalten war, modernen Designs zuwandte, die für jedermann zugänglich waren. Warhol begann, seine Kunstentwürfe auf Papierkleider zu drucken. Diese Kleidungsstücke enthielten die Essenz des Lebensstils des normalen Verbrauchers.

Andy Warhols Evergreen-Prints inspirierten schon immer Designer wie Gianni Versace und Christian Dior. In den 1990er Jahren haben sie in vielen ihrer Kleidungsstücke Warhol-Drucke verwendet.

Der Designer Jeremy Scott von Moschino präsentierte seine Kollektion, die von Werbespots wie McDonald's und Frito-Lay inspiriert war und der Pop Art Tribut zollt. Er war die Inspirationsquelle für all ihre Designs und arbeitete sogar mit ihm zusammen.

Die sechziger Jahre waren die Zeit der kunstinspirierten Papierkleider, wurden zu dem Kleidungsstück, das wahnsinnig geliebt wurde und bis heute viele Modedesigner inspiriert. Aufgrund der Fähigkeit der Pop-Art, universell zu sprechen, war sie in der Modeindustrie schon immer eine bevorzugte Kunstrichtung, und bis heute ist sie für viele Designer eine Quelle des Einflusses.

Alex McQueen

Der renommierte Modekünstler Lee Alexander McQueen drückte seine Kunst immer durch Mode aus. Geboren 1969 im East End von London, verließ er die Schule im Alter von 16 Jahren und arbeitete für Savile Row und dann für Gieves and Hawkes, von wo aus er Schneiderei lernte. 1992 schloss er seinen Master in Modedesign am Central Saint Martins College of Art and Design ab.

Sein Design wurde immer von der Welt um ihn herum inspiriert, insbesondere von Kunst, Film und Musik. Jede seiner Shows hatte einen anderen Ansatz mit einer einzigartigen Art des Geschichtenerzählens. Alle seine Arbeiten besaßen eine einzigartige Kunst mit einem rebellischen und unkonventionellen Charakter.

Er hat seine Entwürfe immer mit einzigartigen Installationen, Konzepten und mit dramatischen und künstlerischen Darbietungen in seinen Runway-Shows umgesetzt. Sein avantgardistischer Stil fand immer Anerkennung und hinterließ einen großen Einfluss auf andere.

Sein berühmtester Auftritt war Kate Moss mit den Hologrammen oben und Live-Sprühmalerei auf einer Landebahn darunter. McQueen versuchte immer, durch seine künstlerischen Ideen Grenzen zu überschreiten. Das faszinierende Ambiente, das durch die sanfte Mischung aus Mode und Kunst entsteht, lässt die Welt die Arbeit von McQueen immer noch erkennen und schätzen.

Nach McQueen würdigte Sarah Burton ihn mit einem aufwendig gestalteten Kleid, das von den Kleidern auf John Callcott Horsleys Ölgemälde inspiriert war. Kritiker über Kostüm, Mode ändern sich. Das Kleid wurde 2011 als Kleid des Jahres ausgezeichnet und Burton wurde 2011 bei den British Fashion Awards zum Designer des Jahres gekürt.

McQueens Beziehung zur Kunst hat ihn immer dazu gebracht, über seine Grenzen hinaus zu arbeiten und das Publikum immer wieder begeistert. Sein Beitrag zur Modewelt ist wirklich unermesslich und seine minutiöse künstlerische Vision, Arbeit und Handwerker werden auch heute noch von vielen Designern angestrebt.

Die Verbindung zwischen Kunst und Mode findet in dieser digitalen Welt in einer tieferen Form ihren Weg. Jede Marke versucht, Mode und Kunst zusammenzubringen, um die Relevanz für ihre Verbraucher aufrechtzuerhalten.

Die außergewöhnliche und unvergessliche Zusammenarbeit von Mode und Kunst hat alle beeindruckt, wie Roy Halston und Andy Warhol, die Mode der Masse zugänglich machten, Yves Saint Laurent wurde von Künstlern wie Matisse, Mondrian, Van Gogh, Picasso und George Braque inspiriert und in vielen seiner Kollektionen Mode mit Kunst kollidiert.

Es gibt noch viele weitere ikonische Kollaborationen, um weitere außergewöhnliche Kollektionen zu kreieren. Mode und Kunst haben immer versucht, die Gesellschaft durch ihre Ideologien und ihre Ausführung zu prägen. Diese Mischung der beiden Welten hat einen sehr außergewöhnlichen Einfluss auf die Welt ausgeübt und tut dies auch weiterhin.