패션의 예술

예술과 패션은 항상 서로에게 깊이와 창의성을 더했습니다.아티스트와 디자이너의 협업은 언제나 미묘한 조합이었습니다.이 놀라운 두 분야의 결과는 위대한 혁신, 도발, 혁명의 원천이 되었습니다.

같은 동전의 두 얼굴은 광범위한 탐험을 열어 세상에 놀랍고 예상치 못한 결과를 가져왔습니다.패션은 꾸밈과 옷차림을 통해 특정한 개성을 표현하는 플랫폼이 되어왔습니다.반면 예술은 색상, 캔버스, 브러시 등 다양한 매체를 사용하여 아티스트의 마음에서 나오는 생각의 층위입니다.

누드 메이크업과 루즈 진이 패션을 통해 그 사람을 표현하는 것처럼 예술은 그것을 만든 예술가를 정의할 수 있는 능력을 가지고 있습니다.패션과 예술의 이 두 갈래는 르네상스 시대에 처음 강하게 연결되었습니다.이 시기의 예술가들은 패션의 영향을 많이 받았습니다.

패션과 예술의 유대는 16세기부터 현대에 이르기까지 계속해서 강해졌습니다.이 시대는 사람들이 여행과 탐험에 크게 몰두하던 시기로, 타국의 의상뿐만 아니라 자신의 의상에도 관심이 커졌습니다.의상 책이 인쇄되기 시작하고 사람들의 시각 자료가 되면서 패션에 대한 관점이 점차 바뀌었습니다.

파리에서 온 많은 예술가들이 패션을 접하기 시작했습니다.그들은 옷에서 영감을 찾기 시작했어요.그래서 예술과 패션의 관계는 날마다 깊어졌습니다.이 두 세계의 뿌리는 자기 표현주의와 깊이 연관되어 있습니다.수 세기 동안 문화와 경계는 예술과 패션에 영향을 미쳐 왔습니다.

엘사 스키아파렐리

1937년, 2차 세계대전 직전, 놀라운 패션 애호가인 Elsa Schiaparelli는 항상 예술을 향한 창의적인 디자인을 선보였습니다.그녀의 놀라운 예술 컬렉션 중 일부는 천재 초현실주의 예술가 살바도르 달리에서 큰 영감을 받았습니다.그는 그녀의 모든 디자인에 영감의 원천이었으며, 그와 협업하기도 했습니다.

예술과 패션의 콜라보레이션으로 유명한 랍스터 드레스와 같은 많은 상징적인 컬렉션이 탄생했습니다.달리가 그린 아이보리 실크 드레스에 커다란 랍스터가 그려져 있는데, 이는 그의 그림인 드림 - 맨은 1934년 뉴욕 폰 플레이스 오브 폰에서 랍스터를 찾는다.

또한 이 파트너십을 통해 달리는 신발 모자를 디자인했으며 스키아파렐리의 1937-38년 겨울 카탈로그에도 포함되었습니다.스키아파렐리와 달리가 나눈 유대감은 놀라웠습니다. 두 사람 모두 다른 사람들을 놀라게 하기 위해 두 사람의 마음이 통했기 때문입니다.

스키아파렐리는 자신의 창의성을 어떤 것에도 얽매이지 않았습니다. 그녀의 작품은 놀라운 쿠튀르 기법의 영향을 받아 매혹적이고 신화적인 주제를 포착했습니다.그녀는 언제나 신비로운 강신술과 착시 현상에 푹 빠져 있었습니다.

티어스 드레스는 1938년 스키아파렐리의 서커스 컬렉션에 포함되어 있습니다.이 드레스는 '오케스트라의 가죽을 품에 안고 있는 세 명의 젊은 초현실주의 여성' 그림에서 영감을 받았습니다.

달리와 스키아파렐리의 콜라보레이션은 의류를 넘어 쇼킹 래디언스 바디 오일과 바카라 크리스탈 보틀인 르 로이 솔레유 (Le Roy Soleil) 와 같은 원단과 향수병을 위한 패턴 제작에도 적용되었습니다.

이 두 사람은 함께 일하는 것을 멈추지 않고 전 세계가 볼 수 있도록 예술과 패션의 상징적이고 놀라운 융합을 만들어 냈습니다.

팝 아트

2차 세계대전 이후 1950년의 팝 아트는 틀에 박힌 고전 예술의 규범을 깨는 생생한 예술 형식에서 비롯되었으며 캠벨의 수프 캔과 대중 문화의 인형과 같은 평범한 물건을 기념하는 데 초점을 맞췄습니다.

팝 아트는 평범한 삶의 경험을 받아들이고, 대중 문화의 다양한 측면을 인정하고, 새로운 세대의 미국인들에게 친숙한 유대감을 형성하는 데 중점을 두었습니다.팝아트는 감각적이고 대담한 색상 조합을 광고와 함께 마무리했습니다.

팝아트의 선구자인 Richard Hamilton은 이러한 형태의 예술을 대중적이고, 확장성이 있고, 일시적이고, 비용이 적게 들고, 대량 생산되고, 영리하고, 감각적이고, 신선하고, 눈길을 사로잡는, 대기업이라고 묘사했습니다.

위대한 앤디 워홀 (Andy Warhol) 은 패션계에 영향을 미친 최초의 팝 아트 아이콘입니다.그는 의도치 않게 기여하고 패션에 큰 영향을 미치는 예술 문화에 반대했습니다.Any Warhol은 패션 일러스트레이터이자 잡지에서 일하면서 자신의 작품을 패션 아이템으로 탈바꿈시켰습니다.

엘리트들에게만 국한된 하이 패션의 독점성이 모든 사람이 접근할 수 있는 현대적인 디자인으로 바뀌었던 때였습니다.워홀은 종이 드레스에 자신의 아트 디자인을 프린트하기 시작했습니다.이 옷들은 일반 소비자들의 라이프스타일의 정수를 담고 있었습니다.

앤디 워홀의 에버그린 프린트는 지아니 베르사체와 크리스챤 디올과 같은 디자이너들에게 항상 영감을 주었습니다.그들은 1990년대까지 많은 의상에 워홀 프린트를 사용해 왔습니다.

모스키노의 제레미 스콧 (Jeremy Scott) 은 팝 아트에 대한 경의를 표하며 맥도날드와 프리토 레이 (Frito- Lay) 와 같은 광고에서 영감을 받은 컬렉션을 선보였습니다.그는 그녀의 모든 디자인에 영감의 원천이었으며, 그와 협업하기도 했습니다.

60년대는 예술에서 영감을 받은 종이 드레스의 시대였으며, 열광적인 사랑을 받은 의류가 되었으며, 오늘날에도 많은 패션 디자이너에게 영감을 주고 있습니다.팝아트는 보편적으로 말할 수 있는 능력으로 인해 패션 업계에서 항상 주목받는 예술 운동이었으며, 지금까지도 많은 디자이너들에게 영향을 주고 있습니다.

알렉산더 맥퀸

유명한 패션 아티스트 리 알렉산더 맥퀸 (Lee Alexander McQueen) 은 항상 패션을 통해 자신의 예술을 표현했습니다.1969년 런던 이스트 엔드에서 태어난 그는 16세에 학교를 그만두고 새빌 로우에서 일한 후 지브스 앤 호크스에서 일하면서 테일러링을 배웠습니다.그는 1992년 센트럴 세인트 마틴스 컬리지 오브 아트 앤 디자인에서 패션 디자인 석사 과정을 마쳤습니다.

그의 디자인은 항상 세계, 특히 예술, 영화, 음악에서 영감을 얻었습니다.그의 모든 쇼는 독특한 스토리텔링 방식으로 접근하는 방식이 달랐습니다.그의 모든 작품에는 반항적이고 파격적인 성격의 독특한 예술 작품이 담겨 있었습니다.

그는 런웨이 쇼에서 항상 독특한 설치와 컨셉, 드라마틱하고 예술적인 퍼포먼스로 디자인을 실행해 왔습니다.그의 아방트그레이드 스타일은 항상 찬사를 받았고 다른 사람들에게도 큰 영향을 미쳤습니다.

그의 가장 상징적인 퍼포먼스는 위의 케이트 모스 (Kate moss) 의 홀로그램과 아래 런웨이에서의 라이브 스프레이 페인팅입니다.맥퀸은 항상 자신의 예술적 아이디어를 통해 경계를 허물려고 노력했습니다.패션과 예술의 매끄러운 조화가 만들어내는 매혹적인 분위기는 여전히 전 세계로 하여금 맥퀸의 작품을 인정하고 높이 평가하게 만듭니다.

맥퀸 사라 버튼이 존 콜콧 홀슬리의 유화에 등장하는 가운에서 영감을 받아 정교하게 디자인된 가운을 선보이며 그에게 경의를 표한 후, 의상에 대한 비평가들은 패션이 바뀌었습니다.이 가운은 2011년 올해의 드레스로 선정되었고 버튼은 2011년 브리티시 패션 어워드에서 올해의 디자이너로 선정되었습니다.

맥퀸과 예술의 관계는 항상 자신의 한계를 뛰어넘는 작업을 하게 만들었고 항상 관객을 감동시켰습니다.패션 세계에 대한 그의 공헌은 실로 헤아릴 수 없을 정도이며, 그의 세밀한 예술적 비전, 작품, 장인은 지금까지도 많은 디자이너들의 열망을 받고 있습니다.

예술과 패션의 연결은 이 디지털 세계에서 더욱 깊어지고 있습니다.모든 브랜드는 소비자에게 높은 수준의 관련성을 유지하기 위해 패션과 예술을 결합하려고 노력하고 있습니다.

대중이 패션을 쉽게 접할 수 있게 만든 로이 홀스턴과 앤디 워홀, 마티스, 몬드리안, 반 고흐, 피카소, 조지 브라크와 같은 예술가들로부터 영감을 받아 그의 컬렉션 대부분에서 패션과 예술을 접목시킨 이브 생 로랑 (Yves Saint Laurent) 처럼 패션과 예술의 탁월하고 잊을 수 없는 콜라보레이션은 모두에게 경외감을 안겨주었습니다.

더 특별한 컬렉션을 만들기 위한 더 많은 상징적인 협업이 아직 진행 중입니다.패션과 예술은 항상 이념과 실행을 통해 사회를 변화시키려 노력해 왔습니다.이러한 두 세계의 혼합은 전 세계에 매우 특별한 영향을 미쳤으며 앞으로도 계속 그럴 것입니다.