De kunst van mode

Kunst en mode hebben elkaar altijd meer diepgang en creativiteit gegeven. De samenwerking tussen kunstenaars en ontwerpers is altijd een etherische combinatie geweest. Het resultaat van deze twee ongelooflijke gebieden is de bron geweest van grote innovatie, provocatie en revolutie.

De twee zijden van dezelfde medaille hebben geleid tot een breed scala aan ontdekkingen, wat de wereld ongelooflijke en onverwachte resultaten heeft opgeleverd. Mode is een platform geweest om een bepaalde persoonlijkheid uit te drukken door middel van versiering en kleding. Terwijl kunst een gedachtelaag is die uit de geest van kunstenaars komt, waarbij verschillende media worden gebruikt, zoals kleur, canvas, penselen en nog veel meer.

Kunst heeft het vermogen om de kunstenaars te definiëren die het hebben gemaakt, net zoals naaktmake-up en losse spijkerbroeken de persoon uitdrukken door middel van zijn of haar mode. Deze twee stromingen van mode en kunst waren aanvankelijk sterk met elkaar verbonden in de Renaissance. De kunstenaars in deze periode werden enorm beïnvloed door mode.

De band tussen mode en kunst werd steeds sterker van de 16e eeuw tot de moderne tijd. In deze tijd waren mensen enorm verdiept in reizen en ontdekken, waardoor hun interesse in kostuums van andere landen en hun eigen kostuums toenam. Dit veranderde geleidelijk het perspectief op mode, toen kostuumboeken werden gedrukt en een visuele bron voor de mensen werden.

Veel kunstenaars uit Parijs begonnen zich met mode te associëren. Ze begonnen inspiratie te vinden in kleding. En zo werd de relatie tussen kunst en mode elke dag diepgaand. De wortels van deze twee werelden zijn nauw verbonden met het zelfexpressionisme. Eeuwenlang hebben de culturen en grenzen invloed gehad op kunst en mode.

Elsa Schiaparelli

1937, vlak voor de Tweede Wereldoorlog, werkte Elsa Schiaparelli, een ongelooflijke mode-liefhebber, haar creativiteit van ontwerpen altijd uit naar kunst. Sommige van haar ongelooflijke kunstcollecties zijn enorm geïnspireerd door de geniale surrealistische kunstenaar Salvador Dali. Hij was de inspiratiebron voor al haar ontwerpen en werkte zelfs met hem samen.

Deze samenwerking tussen kunst en mode heeft geleid tot vele iconische collecties, zoals de beroemde Lobster-jurk. Een enorme kreeft op een ivoorkleurige zijden jurk geschilderd door Dali, een eerbetoon aan zijn schilderij, Dream - Man finds Lobster in Place of Phone, New York, 1934.

Verder heeft deze samenwerking ervoor gezorgd dat Dali Shoe Hat ontwierp en werd uitgevoerd door Schiaparelli's Winter 1937-38 catalogus. De band tussen Schiaparelli en Dali was verbazingwekkend omdat hun beide geesten werkten om anderen te verbazen.

Schiaparelli liet haar creativiteit nooit door iets begrenzen, haar creaties gaven een gevoel van betoverende en mythische thema's weer, beïnvloed door ongelooflijke couture-technieken. Ze was altijd verliefd op mystiek spiritualisme en optische illusie.

The Tear's Dress, een onderdeel van Schiaparelli's Circus Collection uit 1938. Deze jurk is geïnspireerd op het schilderij, Three Young Surrealistische Women Holding In Their Arms The Skins Of An Orchestra.

Dali's samenwerking met Schiaparelli ging verder dan kleding en ging verder dan het maken van patronen voor stoffen en parfumflesjes, zoals Shocking Radiance lichaamsoliën en de kristallen fles van Baccarat, Le Roy Soleil in 1946.

Deze twee bleven samenwerken en creëerden veel iconische en ongelooflijke samensmelting van kunst en mode voor de hele wereld.

Pop-art

De pop-art, in 1950 na de Tweede Wereldoorlog, ontstond uit levendige kunstvormen die de normen van stereotiepe klassieke kunst overtraden en richtte zich op de viering van gewone voorwerpen zoals Campbell's soepblikken en boegbeelden van de populaire cultuur.

In de pop-art ging het erom de alledaagse levenservaring te omarmen, de verschillende aspecten van de massacultuur te erkennen en een band van vertrouwdheid te creëren met de nieuwe generatie Amerikanen. Pop-art combineerde zijn sensationele en gewaagde kleurencombinaties met de advertenties.

Deze vorm van kunst werd beschreven als populair, uitbreidbaar, vergankelijk, goedkoop, in massa geproduceerd, slim, sensueel, fris, gimmicky, big business, fascinerend door de pionier van de pop-art Richard Hamilton.

De grote Andy Warhol, het eerste pop-articoon dat de modewereld heeft beïnvloed. Hij verzette zich tegen de kunstcultuur die onbedoeld bijdraagt en een enorme impact heeft op de mode. Als mode-illustrator en werkzaam voor tijdschriften maakte Any Warhol van zijn kunst modeartikelen.

Dit was de tijd waarin de exclusiviteit van high fashion, enkel voorbehouden aan de elite, een wending nam in de richting van hedendaagse ontwerpen, die voor iedereen toegankelijk waren. Warhol begon zijn kunstontwerpen te drukken op papieren jurken. Deze kledingstukken bevatten de essentie van de levensstijl van de normale consument.

De groenblijvende prints van Andy Warhol hebben ontwerpers zoals Gianni Versace en Christian Dior altijd geïnspireerd. In de jaren negentig hebben ze Warhol-prints in veel van hun kledingstukken gebruikt.

Ontwerper Jeremy Scott voor Moschino toonde zijn collectie geïnspireerd op commercials zoals McDonald's en Frito-Lay als eerbetoon aan Pop Art. Hij was de inspiratiebron voor al haar ontwerpen en werkte zelfs met hem samen.

De jaren zestig waren de tijd van op kunst geïnspireerde papieren jurken, het werd het kledingstuk dat waanzinnig geliefd was en tot op heden nog steeds veel modeontwerpers inspireert. Dankzij het vermogen van pop-art om universeel te spreken, is het altijd een populaire kunststroming geweest voor de mode-industrie, en het is tot nu toe nog steeds een bron van invloed geweest voor veel ontwerpers.

Alexander McQueen

De bekende modekunstenaar Lee Alexander McQueen drukte zijn kunst altijd uit door middel van mode. East End in Londen, geboren in 1969, verliet school op 16-jarige leeftijd en werkte voor Savile Row en vervolgens voor Gieves en Hawkes, waar hij kleermakerswerk leerde. Hij voltooide zijn master in modeontwerp in 1992 aan het Central Saint Martins College of Art and Design.

Zijn ontwerp werd altijd geïnspireerd door de wereld om hem heen, met name kunst, film en muziek. Elke show van hem had een andere aanpak met een unieke manier van vertellen. Al zijn werk bezat een unieke kunst, met een rebels en onconventioneel karakter.

Hij heeft zijn ontwerpen altijd uitgevoerd met unieke installaties, concepten en met dramatische en artistieke prestaties in zijn catwalkshows. Zijn Avant-grade stijl oogstte altijd waardering en had een enorme impact op anderen.

Zijn meest iconische optreden als Hologrammen van Kate Moss hierboven en live spuitverf op een landingsbaan eronder. McQueen probeerde altijd de grenzen te verleggen met zijn artistieke ideeën. De betoverende sfeer die wordt gecreëerd door de soepele mix van mode en kunst zorgt er nog steeds voor dat de wereld het werk van McQueen erkent en waardeert.

Nadat McQueen Sarah Burton hem hulde bracht door een ingewikkeld ontworpen jurk tentoon te stellen, geïnspireerd op de jurken op het olieverfschilderij van John Callcott Horsley, critici over kostuum, verandert de mode. De jurk werd in 2011 uitgeroepen tot jurk van het jaar en Burton werd uitgeroepen tot ontwerper van het jaar tijdens de British Fashion Awards in 2011.

McQueen's relatie met kunst heeft hem altijd buiten zijn grenzen doen werken en het publiek altijd enthousiast gemaakt. Zijn bijdrage aan de modewereld is echt onmetelijk en zijn minutieuze artistieke visie, werk en vakmensen worden tot op heden nog steeds door veel ontwerpers nagestreefd.

De verbinding tussen kunst en mode vindt zijn weg in een diepere vorm in deze digitale wereld. Elk merk probeert mode en kunst samen te brengen om relevant te blijven voor zijn consumenten.

De uitzonderlijke en onvergetelijke samenwerking tussen mode en kunst heeft iedereen met ontzag achtergelaten, zoals Roy Halston en Andy Warhol, die mode toegankelijk maakten voor de massa, Yves Saint Laurent geïnspireerd door kunstenaars als Matisse, Mondriaan, Van Gogh, Picasso en George Braque en mode en kunst in veel van zijn collecties combineren.

Er zijn nog veel meer iconische samenwerkingen gaande om nog meer bijzondere collecties te creëren. Mode en kunst hebben altijd geprobeerd de samenleving vorm te geven door middel van hun ideologieën en uitvoering. Deze mix van de twee werelden heeft een zeer uitzonderlijke impact op de wereld gehad en doet dat nog steeds.