Konsten att mode

Konst och mode har alltid lagt till mer djup och kreativitet till varandra. Samarbetet mellan konstnärer och designers har alltid varit en eterisk kombination. Resultatet av dessa två otroliga fält har varit källan till stor innovation, provokation och revolution.

De två ansikten på samma mynt har öppnat ett brett spektrum av utforskning, vilket har gett otroliga och oväntade resultat till världen. Mode har varit en plattform för att uttrycka en viss personlighet genom utsmyckning och klädsel. Medan konst är ett lager av tankar som kommer från konstnärernas sinne och använder olika medier som färg, duk, penslar och många fler.

Konst har förmågan att definiera konstnärerna som skapade den, precis som nakenmakeup och lösa jeans uttrycker personen genom hans eller hennes mode. Dessa två trådar av mode och konst var ursprungligen bundna starkt samman under renässansperioden. Konstnärerna under denna period påverkades enormt av mode.

Bandet mellan mode och konst fortsatte att bli starkare från 1500-talet till modern tid. Denna ålder var den tid då människor var mycket uppslukade av att resa och utforska vilket ökade deras intresse för kostymer från andra nationer såväl som deras egna kostymer. Detta förändrade gradvis perspektivet mot mode, när kostymböcker började tryckas och blev en visuell källa för folket.

Många konstnärer från Paris började umgås med mode. De började hitta inspiration i kläder. Och så blev förhållandet mellan konst och mode djupgående varje dag. Rötterna till dessa två världar är djupt kopplade till självexpressionism. I århundraden har kulturerna och gränserna påverkat konst och mode.

Elsa Schiaparelli

1937, Strax före andra världskriget utvecklade Elsa Schiaparelli, en otrolig modeentusiast, alltid sin kreativitet att designa mot konst. Några av hennes otroliga konstsamlingar inspirerades enormt av den geniala surrealistiska konstnären Salvador Dali. Han var inspirationskällan för alla hennes mönster och samarbetade till och med med honom.

Detta samarbete mellan konst och mode födde många ikoniska samlingar som den berömda hummerklänningen. En massiv hummer på en elfenbensidenklänning målad av Dali, som var en hyllning till hans målning, Dröm - Man hittar hummer i stället för telefon, New York, 1934.

Vidare gjorde detta partnerskap Dali design Shoe Hat och utfördes av Schiaparellis vinterkatalog 1937-38. Bandet som Schiaparelli och Dali delade var häpnadsväckande eftersom båda deras sinne arbetade för att förvåna andra.

Schiaparelli lät aldrig sin kreativitet begränsas av någonting, hennes skapelser fångade en känsla av förtrollande och mytiska teman, påverkade av otroliga couture-tekniker. Hon var alltid kär i mystisk spiritualism och optisk illusion.

Tårens klänning, en del av Schiaparellis Cirkussamling från 1938. Den här klänningen är inspirerad av målningen Three Young Surrealist Women Holding In Their Arms The Skins Of An Orchestra.

Dalis samarbete med Schiaparelli gick utöver kläder mot mönster för tyger och flaskor parfym, som Shocking Radiance kroppsoljor och Baccarat-kristallflaskan, Le Roy Soleil 1946.

Dessa två slutade aldrig arbeta tillsammans och skapade mycket ikonisk och otrolig fusion av konst och mode för världen att se.

Popkonst

Popkonsten 1950 efter andra världskriget utlöstes från levande konstformer som bryter normerna för stereotyp klassisk konst och fokuserade på firandet av vanliga föremål som Campbells soppburkar och figurhuvuden i populärkulturen.

Popkonst handlade om att omfamna den vardagliga upplevelsen av livet, erkänna de olika aspekterna av masskulturen, och skapa ett band av förtrogenhet med den nya generationen amerikaner. Popkonst lindade sina sensationella och djärva färgkombinationer med annonserna.

Denna konstform beskrevs som populär, expanderbar, övergående, låg kostnad, massproducerad, smart, sensuell, fräsch, gimmicky, big business, fascinerande av pionjären inom popkonst Richard Hamilton.

Den stora Andy Warhol, den första popkonstikonen som påverkade modevärlden. Han motsatte sig konstkulturen som oavsiktligt bidrog och gjorde en enorm inverkan på mode. Som modeillustratör och arbetade för tidningar förvandlade Any Warhol sin konst till modeartiklar.

Detta var den tid då exklusiviteten för high fashion endast reserverad för eliten tog en vändning mot modern design och var tillgänglig för alla. Warhol började skriva ut sina konstdesigner på pappersklänningar. Dessa plagg innehöll kärnan i den normala konsumentens livsstil.

Andy Warhols vintergröna tryck inspirerade alltid designers som Gianni Versace och Christian Dior. De har använt Warhol-tryck i många av sina plagg genom 1990-talet.

Designern Jeremy Scott för Moschino visade upp sin samling inspirerad av reklamfilmer som McDonald's och Frito-Lay som hyllade Pop Art. Han var inspirationskällan för alla hennes mönster och samarbetade till och med med honom.

Sextiotalet var tiden för konstinspirerade pappersklänningar, blev plagget som älskades vansinnigt och hittills fortsätter att inspirera många modedesigners. På grund av popkonstens förmåga att tala universellt har det alltid varit en hänvisad konströrelse för modebranschen, och det har fortsatt att vara en källa till inflytande för många designers fram till nu.

Alexander McQueen

Den berömda modekonstnären Lee Alexander McQueen uttryckte alltid sin konst genom mode. Född 1969, East End i London, lämnade skolan vid 16 års ålder och arbetade för Savile Row och sedan för Gieves och Hawkes, varifrån han lärde sig skräddarsy. Han avslutade sin magisterexamen i modedesign 1992 vid Central Saint Martins College of Art and Design.

Hans design hämtade alltid inspiration från världen runt, särskilt konst, film, och musik. Varje show av hans hade ett annat tillvägagångssätt med ett unikt sätt att berätta. Allt hans arbete hade en unik konst, med en upprorisk och okonventionell natur.

Han har alltid utfört sina mönster med unika installationer, koncept och med dramatisk och konstnärlig performance i sina landningsshower. Hans Avant-grade-stil samlade alltid uppskattning och lämnade en enorm inverkan på andra.

Hans mest ikoniska framträdande som Kate moss hologram ovan och levande spraymålning på en landningsbana nedanför. McQueen försökte alltid bryta gränserna genom sin konstnärliga idé. Den fängslande atmosfären som skapas av den smidiga blandningen av mode och konst får fortfarande världen att känna igen och uppskatta McQueens arbete.

Efter att McQueen Sarah Burton hyllade honom genom att visa en intrikat designad klänning inspirerad av klänningarna i John Callcott Horsleys oljemålning, kritiker om kostym, förändras mode. Klänningen belönades som årets klänning 2011 och Burton tog positionen som årets designer vid British Fashion Awards 2011.

McQueens relation till konst har alltid fått honom att arbeta bortom sina gränser och alltid glädjat publiken. Hans bidrag till modevärlden är verkligen omätbart och hans lilla konstnärliga vision, arbete, och hantverkare strävar fortfarande efter av många designers hittills.

Kopplingen mellan konst och mode gör sin väg i en djupare form i denna digitala värld. Varje varumärke, för att upprätthålla relevansen, för sina konsumenter försöker föra samman mode och konst.

Det exceptionella och oförglömliga samarbetet mellan mode och konst har gjort alla förvånade, som Roy Halston och Andy Warhol, som gjorde mode tillgängligt för massan, Yves Saint Laurent inspirerad av konstnärer som Matisse, Mondrian, Van Gogh, Picasso och George Braque och kolliderar mode med konst i många av hans kollektioner.

Det pågår fortfarande många fler ikoniska samarbeten för att skapa några mer extraordinära samlingar. Mode och konst har alltid försökt forma samhället genom sina ideologier och utförande. Denna blandning av de två världarna har skapat en mycket exceptionell inverkan på världen och fortsätter att göra det.